MURIÓ EL DESCUBRIDOR DEL LSD

El químico suizo Albert Hofmann murió en su casa de Basilea, a los 102 años. Fue el primer hombre en experimentar los efectos psicodélicos del ácido lisérgico.

Nació en Basilea, Suiza, el 11 de enero de 1906. Creció en una familia modesta y su padre era obrero en una fábrica local. Realizó estudios de Química en la Universidad de Zürich que le permitieron ingresar en 1929 en la hoy desaparecida firma Sandoz, antecesora del actual gigante farmacéutico Novartis.

En 1938 comenzó sus investigaciones sobre estimulantes circulatorios. En sus experimentos encontró un derivado del hongo del cornezuelo del centeno y logró sintetizar su principio activo. Sin embargo sus jefes no le encontraron ninguna utilidad práctica. Pero el 19 de abril de 1943 pasaría a la historia como "el día de la bicicleta" cuando unas gotas se le cayeron sobre su mano, él dice que por accidente sin embargo otras fuentes afirman que fue intencionalmente.

"Sentí angustia, vértigo y visiones sobrenaturales, al mismo tiempo que un profundo sentimiento de paz y libertad", recordaría décadas más tarde el científico. Todo ello montado en su bicicleta yendo del laboratorio a su casa.

En los años 60 el profesor Timothy Leary de Harvard, siguió estudiando el LSD. Sus experimentos colaboraron en la difusión de la droga entre los jóvenes y los músicos de rock, en plena era de la psicodelia.

Hofmann expresó una cierta distancia respecto a esos usos populares del LSD. Consideraba que era una droga sagrada que se descontextualizaría si se la convertía en una moda. Además defendió siempre el uso con fines terapéuticos. Creía firmemente que los psiquiatras eran los nuevos chamanes y que debían tener el derecho de usar LSD.

En unas una de las últimas entrevistas que concedió se le preguntó cómo quería ser recordado, y Hofmann respondió: "Como un abuelo que ama jugar con sus cuatro bisnietos en los jardines y los bosques".

EL LOBO SOLITARIO DEL HEAVY METAL

El ex cantante de Iron Maiden, Paul Di'Anno, se presenta esta noche en Central. Dueño de un carisma muy especial, fue protagonista fundamental del movimiento de bandas inglesas que logró la resurrección del heavy metal tras el previsible derrumbe del punk.

Luego del exitoso paso de Iron Maiden a principios de marzo por Buenos Aires, el público uruguayo tiene la posibilidad de presenciar el show de su ex frontman. Junto al músico inglés, apoyado en escena por los paraguayos Rushmore, estarán las bandas locales Mafia, Torquemada y Siria.

Para entender la importancia de Paul Di’Anno debemos introducirnos en un momento muy particular de la historia del rock y del metal. En la Inglaterra de finales de los años setenta, el sonido básico del punk lo inundaba todo, no era fácil ni prudente ir contra la corriente. En ese contexto, un joven bajista llamado Steve Harris, cuyos ídolos no eran los nuevos héroes del punk sino los monstruos del hard rock y del rock progresivo de los 70’, luchaba contra los inconvenientes que resultaban de liderar una banda de heavy metal en esas condiciones.

Al metal se le cerraban las puertas de los boliches, en todo caso se les sugería a los heavys un cambio de apariencia y hasta de sonido. Para Harris eso iba contra su religión "yo fui a ver a bandas como Judas Priest o Lone Star en el pico del punk y se las arreglaban para vender lugares como el Hammersmith Odeon. Había miles de pibes enganchados con las bandas, sólo que la prensa no lo tomaba en cuenta o no escribía al respecto. Estaba 'fuera de moda' sacar algo de heavy metal". Al frente de su banda, que hasta hoy sigue llamándose Iron Maiden, estaba Paul Di’Anno desde el 77’.

El cantante venía de militar en algunas bandas punk amateurs y su aspecto no cuadraba con el típico metalero: lánguida estampa y cabello corto. Su debut en la banda fue el fin de año de 1977 en el Ruskin Arms, un boliche al este de Londres. Era el tercer vocalista de Maiden pero el primero que llegaría a trascender.

La primera grabación de Iron Maiden fue registrada en el Spaceward Studio de Cambridge, "The Soundhouse Tapes" es un single de tres temas que hoy es pieza de colección. Incluía los temas “Prowler”, “Invasión” y “Iron Maiden”, fue editado de manera independiente y en solo diez días vendieron por correo las 5.000 copias que se fabricaron.

"Por el momento subimos al escenario y nos divertimos, yo detestaría que nos volviésemos muy aplicados y ansiosos. Quiero decir, yo me caigo de culo, hago bromas... y de eso se trata ¿no?", explicaba el cantante a la revista Sounds en 1979 sobre su concepto de como debería mantenerse el espíritu de juerga en la banda. Dos años después sería expulsado por esa liviana y despreocupada forma de encarar su carrera y el oficio de vocalista. En el medio, fue protagonista de los dos primeros discos de la banda insignia de la New Wave of British Heavy Metal (NWOBHM). El movimiento que puso nuevamente al metal en la primera plana luego de la caída estrepitosa del punk. Entre esas bandas estaban, entre otras, Def Leppard, Saxon, Diamond Head, Angel Witch, Samson y por supuesto Iron Maiden.

Como decíamos más arriba, las actitudes profesionales de Di'Anno dejaban mucho que desear, basta citar como ejemplo la ocasión en que Harris logró que el manager Rod Smallwood fuera a verlos en vivo. Paul nunca llegó al lugar ya que fue arrestado por la policía y el bajista debió cantar algunos temas en el medio de un set meramente instrumental.

Luego de firmar con EMI, graban el disco debut homónimo. Un álbum con una producción deficiente pero que ya anunciaba la grandeza de la banda de la mano de clásicos como “Iron Maiden”, “Running Free” y “The Phantom of the Opera”. La imagen de Di'Anno, callejera, agresivamente punk y de gran presencia escénica, contrastaba con el toque progresivo y las complejas composiciones de sus compañeros, esta combinación hacía de Iron Maiden una banda muy original.

El segundo disco, “Killers”, ya contaría con una producción de primer nivel a cargo de Martin Birch, quien fue productor entre otros del “Machine Head” de Deep Purple. El disco no contiene tantos himnos como su antecesor pero suena mucho mejor y tiene grandes temas como “Purgatory”, “Wrathchild” y la propia “Killers”. El desempeño de Di’Anno superaba lo hecho en el primer disco. Esta placa llevó a la Doncella de Hierro a encarar su primera gira mundial. El Killer World Tour visitó quince países en ocho meses y durante su estadía en Japón, exactamente en Nagoya, se recogió un testimonio en vivo en el EP Maiden Japan. Los excesos de Paul con las drogas y el alcohol, más un notorio desinterés por cumplir con las exigencias de una banda profesional, llevaron a que Steve Harris lo despidiera luego de la gira y más tarde reclutara al virtuoso Bruce Dickinson de Samson, un cantante mucho más talentoso, vivaz y metalero que el expulsado.

Hubo que esperar hasta 1983 para que Di’Anno presentase su primer proyecto en solitario, se llamó primero Lonewolf pero rápidamente cambió su nombre a Di’Anno por problemas legales con una banda inglesa del mismo nombre. Llegó a grabar un solo disco “Di’Anno”, el estilo de este primer proyecto estaba inclinado al hard rock y el teclado era protagonista.

En años venideros, el cantante se embarca en una sucesión interminable de discos de estudio, álbumes en vivo, tributos, cambios de nombre, regresos con viejos proyectos, etc. En 1985 se involucra en un proyecto del productor Jonathan King para editar una opera rock de nombre "Gogmagog". El disco jamás vio la luz, apenas se conoció “I Will Be There“, un demo de tres temas que incluía, además de Di’Anno, a Clive Burr (su ex compañero de Maiden), y al guitarrista Janick Gers (futuro miembro de la Doncella).

Desde el 86’ al 89’ el proyecto en carpeta fue Paul Di'Anno's Battlezone, que a pesar de la inestabilidad de sus formaciones llegó a editar dos discos: Otro de los proyectos que duró un buen tiempo en los 90’ fue Killers, con dos discos de estudio y dos en vivo. Junto a otro ex compañero de Maiden, Dennis Stratton, encaró una serie de homenajes a los años de la NWOBHM y también en el disco en vivo de Praying Mantis, grabado en Japón y con muchos temas de su época más gloriosa. Con el nombre The Almighty Imbredz, Di’Anno formó una banda para dar cabida a su vieja pasión por el punk. En 2000, vuelve al sonido en la línea de Battlezone y graba “Nomad” junto a músicos brasileños. Las últimas ediciones del británico datan de 2006, son la reedición de “Nomad” más bonus tracks con el nombre “The Living Dead”, “The Maiden Years” y una participación en el tributo a Van Halen.

Dicen que existe una suerte de maldición sobre los ex miembros de Iron Maiden, que ninguno pudo lograr un éxito decente en su carrera posterior. Más allá de supersticiones, la figura de Paul Di’Anno es referencia de un momento donde el heavy metal se definió como un reducto de guerreros perseverantes que no se dejaban intimidar por modas del momento. Ese rasgo de la filosofía heavy sigue vigente y por eso mismo también se mantiene viva la imagen de Paul Di’Anno. Esta noche sobre un escenario montevideano, el viejo lobo demostrará que tan afilados siguen sus dientes.

Luis de Avila

MUERE EL PADRE DEL EFECTO MARIPOSA

El matemático y meteorólogo estadounidense Edgard Lorenz murió ayer a los 90 años en su residencia de Cambridge (Massachusetts), tras una vida dedicada a la docencia y la investigación.

El accidente que lo inmortalizó

El 1963 Lorenz quizo mediante unas cuantas ecuaciones predecir el tiempo atmosférico con exactitud. Así que definió algunas funciones en su primitiva computadora del Instituto Tecnológico de Massachussets (MIT) para ver qué ocurría. Luego para simplificar el resultado de una operación, le quitó tres decimales y obtuvo dos previsiones meteorológicas totalmente opuestas. Ese accidente marcaría el comienzo de una revolución en las ciencias similar a las que ya habían protagonizado Albert Einstein y Max Planck con la relatividad y la física cuántica.

A este proceso en el que pequeños cambios en una posición inicial pueden tener enormes consecuencias en sistemas complejos le denominó efecto mariposa. En 1972, presentó un estudio titulado: ¿Puede el aleteo de las alas de una mariposa en Brasil provocar un tornado en Texas?. Además lo analizo para la biología y la física, mostrando que las repercusiones escapaban del mundo de las matemáticas. Sus conclusiones, resumidas en la Teoría del Caos, hicieron que la comunidad científica se convenciera de que era imposible pronosticar el estado del tiempo más allá de dos o tres semanas con cierto grado de precisión.

El meteorólogo profesional

Nacido en 1917 en Connecticut, se licenció en matemáticas en la Universidad de Harvard y en el Colegio Dartmouth en 1938 para graduarse como meteorólogo del MIT en 1943. Luego de ser miembro del personal del Departamento de Meteorología del MIT entre 1948 y 1955, fue designado profesor y después director del departamento hasta 1981.

Durante su vida profesional recibió innumerables galardones por su trabajo científico, entre ellos, el Premio Crafoord que otorga la Academia Real de Ciencias de Suecia creado en reconocimiento de labores científicas no incluidas en los Premios Nobel. En 1991, recibió el Premio Kioto para las ciencias planetarias y de la Tierra.

INDIGO, UN NUEVO COLOR EN EL ROCK NACIONAL

Indigo es el nuevo proyecto de Pablo “Gasper” Soiza, el ex guitarrista de Dr. Rocka. Su sonido busca transitar las rutas del Nü Metal, con poderosas bases y riffs sin renunciar a lo melódico, algo que ha distinguido el sonido de “Gasper” en la escena local. El guitarrista nos cuenta el presente de la banda y nos concede un exclusivo adelanto del material de su primer disco.

A mediados de 2007, comenzaron a circular rumores de la separación de Dr. Rocka. Parecían estar en su mejor momento, venían de presentar su segundo disco “Paciencia” frente a 500 personas en DOS. Pero las cosas no estaban funcionando tan bien en la interna, “…los logros ya no tenían el mismo valor sentimental (…) Ya no estábamos conectados en el escenario y no todos los integrantes querían invertir energías en el proyecto” dice Soiza.

Con la desaparición de los objetivos comunes se optó por no seguir, “En mi caso, fue la decisión más difícil que tomé en mi vida. Pasaron cosas complicadas entre nosotros que nos hacen a los cuatro responsables” señala Gasper y agrega “a partir de la disolución de la banda perdí totalmente el contacto con ellos, pero no dudo de que vuelvan al ruedo y les deseo mucha suerte.

Sus inquietudes musicales se mantuvieron intactas a pesar de la separación, “Dr. Rocka fue mi proyecto durante 10 años de mi vida, al cual le invertí todo; tiempo, dinero, trabajo, sueños y por sobre todas las cosas amor (…) todo el dolor que la ruptura de la banda me generó lo canalice en uno de los mejores episodios creativos de mi vida” comenta el guitarrista al comenzar hablar sobre Indigo.

Rápidamente salió a la búsqueda de nuevos compañeros. Por intermedio de Gabriel Brikman, ex Chopper y actual guitarrista de Radical, conoce al baterista Santiago Cabakian (Ex Radical, actual Aplanadora y Mafia), “buscaba alguien abierto y profesional que domine realmente el estilo que se quería lograr, “él se encontró a gusto con la propuesta ya que quería volver al estilo que en un momento no pudo explotar con la banda Plankton, ya disuelta”. El primer bajista fue Alberto Ruso pero rápidamente fue reemplazado por Matías Piccardo, “es la gran revelación de toda esta historia, un gran ser humano con una gran capacidad musical. Es el que le transmite paz a todo este asunto”.

Otra de las novedades que presenta Indigo es que Soiza es vocalista a tiempo completo, sobre el cambio nos dice “lo vivo a pleno, ya que soy yo el encargado de expresar las palabras que escribo y le puedo asignar la carga emotiva que merecen las canciones. Es bueno desgarrarse la garganta gritando por lo que uno siente, creo que es la forma más sensata de transmitir una canción” y sobre el concepto que Indigo intenta transmitir aclara “dejar canciones que expresen esa capacidad de supervivencia ante la adversidad, esa fuerza que muchas veces no sabíamos ni donde la teníamos”

A solo tres meses del comienzo, Indigo ya tiene el primer disco en la mano. Grabado junto a Santiago Lema, la producción, mezcla y masterizaciòn corrió por cuenta de la banda.

Aunque Piccardo se integró a la banda un mes antes de la grabación y por eso la composición pertenece exclusivamente a Cabakian y Soiza, el proceso creativo se plantea como una experiencia cooperativa y “que la banda sea una instancia de liberación para los tres, que refleje lo que llevamos por dentro”.

Actualmente se encuentran en la etapa de negociación, buscando un sello que edite el disco. Mientras tanto fueron seleccionados para participar en un compilado de Elsonora Records (Sudamérica) que se editará en España, Hungría y Rumania por el sello Mutant’E Records. Este disco se realiza con el fin de luchar contra el racismo y difundir nuevos proyectos entre los dos continentes.

De forma exclusiva, Cultura Rock accedió a los 12 temas que componen el disco de Indigo. No es momento de hacer extensas criticas discográficas pero podemos adelantar algo de lo que próximamente van a escuchar.

En nuestro medio faltan propuestas del estilo de Indigo, en la escena del rock local no hay muchas bandas dispuestas a mostrar una vertiente más heavy, sin pertenecer por ello al metal. Esta banda tiene lo necesario para ocupar esa vacante con un Nü Metal moderno y exportable.

Desde el primer tema se advierte la potencia del power trío y un gran énfasis en el concepto-canción más que en el lucimiento personal. Sin embargo, se aprecia el gran talento de Cabakian en temas como "Ecos" o “Fácil Salida”. En Indigo, el baterista muestra otro aspecto de su trabajo, totalmente diferente a lo que hace en Aplanadora. Gasper sigue aportando lo suyo, una excelente construcción de riffs, y vocalmente aporta una expresividad acorde al estilo.

"Fragmentos" tiene madera de hit y seguramente va a gustar a más de un fan de Dr. Rocka, Destacamos también "Al Vacío" con una intro de atmósfera árabe que rápidamente se vuelve un tema furioso. "Tan Lejos" y "Lo que he sangrado" son agradables baladas, la última con influencias grunge.

A pesar de ser una etapa cerrada, Gasper no descarta volver a interpretar sus viejos temas de Dr. Rocka en un par de años, “muchas de esos temas relatan hechos importantes de mi vida. Hay canciones que tan solo las llegue a tocar tres veces, por lo tanto creo que algunas de ellas se merecen una instancia de participación en nuestro repertorio”.

Al momento de dejar un mensaje a los viejos seguidores, Pablo insta a escuchar el nuevo material sin prejuzgar ni detenerse en los detalles de la separación de Dr. Rocka, “estamos construyendo otra gran historia que quizás de mucho que hablar también, esta en ustedes acercarse y darnos la oportunidad de ser escuchados y respetados”. Para mantenerse al tanto de las actividades de la banda visiten su myspace.

Luis de Avila

CAT POWER: LA NUEVA HEROÍNA DEL INDIE

Con su voz melancólica e intensamente emocional, más la omnipresencia del alcohol y el humo de tabaco, Cat Power nos brinda una música elegante y minimalista que involucra el folk, el blues y el country alternativo.

Su verdadero nombre es Charlyn Chan Marie Marshall, nacida el 21 de enero de 1972, esta chica está dando bastante que hablar con su nuevo disco Jukebox, donde interpreta versiones de artistas tales como Billie Holliday, James Brown o Bob Dylan..

Chan nació en Georgia pero su padre Charlie, un blusero itinerante, la llevó a vivir por diversos lugares del sur norteamericano como Greensboro, Bartlett, Tennessee. Esto la acostumbró desde pequeña al constante trajinar de las giras propias de un artista profesional En cierta ocasión, definió de forma genial la educación que obtuvo de su familia: "mi abuela me enseñó a tratar a los otros como quiero que me traten a mí. Mi papá me enseñó a nunca avergonzarme, eso no resultó. Y después mi mamá me enseñó lo que está bien y lo que está mal".

Tras abandonar la secundaria comenzó a tocar en Atlanta bajo el nombre de Cat Power. La acompañaron los músicos Glen Thrasher y Marc Moore, compartía escenarios con Magic Bone y Opal Foxx Quartet. En numerosas ocasiones mencionó que su interés por la música era más social que otra cosa y en una entrevista afirmó que era una buena oportunidad para embriagarse y para que sus amigos consiguieran drogas. En 1992 se mudó a Nueva York con Glen Thrasher, quien la introdujo en la escena del jazz experimental de esa ciudad. Su primer show allí fue en un depósito de Brooklyn. Eran tiempos de experimentación, uno de estas presentaciones consistió en telonear a Man or Astroman? tocando una guitarra con dos cuerdas y cantar la palabra "No" durante 15 minutos.

En 1994 abrió para Liz Phair y entre el público se encontraban Steve Shelley de Sonic Youth y Tim Folkjahn de Two Dollar Guitar, ellos la indujeron a grabar y tocaron en sus dos primeros discos, Dear Sir y Myra Lee. Ambos álbumes fueron grabados el mismo día en diciembre de 2004 y ostentan esa característica condición experimental de Chan, lejos de las convencionales estructuras musicales.

Los shows de Chan Marshall han sido tradicionalmente caóticos, las canciones se interrumpían abruptamente según capricho de la chica o se fusionaban sin transiciones con las demás canciones. Algunas de sus presentaciones se han cortado por la mitad sin dar explicaciones. Muchos la han acusado de falta de profesionalismo mientras otros disfrutan de su “espontaneidad”. Al público de Madrid le tocó sufrir uno de estos episodios. En su primera actuación allí, mandó callar a algunos charlatanes de la barra y terminó llorando entre el público mientras se disculpaba. La segunda vez abandonó el escenario tras media hora de show. Sobre un concierto en The Knitting Factory de New York recuerda "yo estaba pensando, cómo, ¿cómo podría matarme ahora mismo? No había forma de hacerlo. Podría saltar sobre esta gente, pero ellos me agarrarían. Podría golpearme en la cabeza con la guitarra, pero me la sacarían de las manos. No había manera de hacerlo. Podía ahogarme, tal vez. Era como si Satán estuviese presente, fue horrible.", un apunte de su atormentado temperamento, a pesar de que la periodista le señala ese como uno de sus mejores shows.

El sello Matador, el más importante del indie, se interesa por Chan y así graba What Would the Community Think en 1996. Su volátil personalidad la lleva a desaparecer de la escena y se larga a trabajar como baby sitter en Pórtland. Tenía pensado retirarse cuando se mudó a una granja con su novio pero durante una noche insomne, luego de una pesadilla, se puso a escribir nuevas canciones. Estas fueron a parar a Moon Pix, grabado en 1998, el cual cosechó excelentes criticas dentro del ambiente indie.

El repertorio de Marshall combinaba a menudo material original con versiones, por lo que no resulta extraño que su siguiente trabajo fuera The Covers Record, Grabado entre 1998 y 1999. Sus covers a menudo ignoran las melodías de las originales como manifiesta sus versiones de Knocking on Heaven's Door o Satisfaction. Su personalísimo estilo es totalmente despojado, con pocos recursos, nada más que una guitarra eléctrica y el tono claro de su voz.

Ese mismo año aportó el acompañamiento musical a la película The Passion of Joan Arc. El siguiente disco con canciones propias fue publicado en 2003. You Are Free cuenta con invitados de la talla de Eddie Vedder de Pearl Jam, Dave Grohl de Foo Fighters. El videoclip de He War tuvo una moderada rotación en MTV 2. El trabajo siguiente fue el DVD Speaking for Trees (2004), en él se encuentra una toma fija cercana a las dos horas con Chan tocando en un bosque. El DVD viene acompañado de un CD con una canción de 18 minutos llamada Willie Deadwilder. Durante 2005 participó de la gira australiana de Nick Cave y del festival Meltdown.

Al año siguiente fue editado The Greatest, para el cual el sello le consiguió la colaboración de Teenie Hodges, guitarrista de Al Green. El tour norteamericano de The Greatest fue cancelado alegando problemas de salud de Marshall. Pocos días después también se cancelaron sus shows programados para Londres y Paris. Chan aprovechó el impasse para recuperarse de lo que ella llamó un brote sicótico. Se internó en el hospital Mount Sinai de Miami pero se marchó a la semana. Regresó poco después para participar de un tributo a Bob Dylan en New York y en octubre de 2006 se convirtió en imagen de una línea de joyería de Chanel y aportó la voz en comerciales de Garnier y Gap.

Acompañada por su banda The Dirty Delta Blues, las nuevas actuaciones parecen ser más profesionales y la muestran de mejor semblante. En su tercera visita a España, se reconcilió con el público madrileño con un excelente concierto, aún sin prueba de sonido pero con la justa duración de hora y media. Se fumó unos cuantos cigarrillos sobre el escenario, bailó con su particular estilo felino y se sentó a cantar en la oscuridad, firmó autógrafos y se sacó fotos con todos. Al contrario de otros artistas cuya recuperación involucra una temida mutación en su música, Chan demuestra que está dispuesta a seguir conmoviéndonos como antes.

Luis de Avila

CALIFORNICATION CIERRA SU PRIMERA TEMPORADA

La serie que ganó fans y detractores en todo el mundo desde su primer capítulo se prepara para sorprender con una nueva temporada a mediados de este año. Solo es cuestión de esperar unos meses y sabremos si nuestro cínico, borracho y mujeriego protagonista es capaz de mantener a su recién recuperada familia.

Californication es una serie formidable que rompe un poco con lo que nos tiene acostumbrado la industria de Holliwood. Los personajes además de estar bien definidos encajan perfectamente en la depravada y explícita ambientación de ciudad de Los Angeles. Creada por Tom Kapinos (creador de Dawson's Creek), representa el regreso a la televisión de David Duchovny en el papel protagónico de Hank Moody. Nada tiene que ver Hank con la fría y misteriosa personalidad del agente Mulder de los “Los expedientes X”. Ahora Duchovny es un escritor de unos 40 años inmerso en una dura crisis creativa y personal. Atorado en sus recuerdos, con una carga de cinco años sin escribir y frustrado cada vez que le recuerden que su obra prima ha sido llevada al cine para convertirse en una película superficial y romántica.

Junto a él un reparto de actores muy conocidos: Natascha Mcelhone, de las películas "El Show de Truman y Solaris; Evan Handler, que aparece en series como 24, CSI:Miami y Perdidos; o Madeleine Zima, que no es otra que la niña de la serie de los 90, The Nanny.

El mundo de Hank

Hank sueña con volver con su ex mujer Karen (Natascha McElhone) a quien ama y considera su única inspiración; ella sin embargo ha perdido toda esperanza e intenta formar una familia con otro hombre, un acomodado empresario con el que está a punto de casarse. Su otro amor es su hija Becca (Madeleine Martin), una tierna preadolescente que sorprende en varios diálogos demostrando por momento más madurez que su padre.

Es inevitable la comparación entre Hank Moody y el poeta maldito de Charles Bukowski, son demasiadas las características comunes a ambos. La vida de Hank es cualquier cosa menos aburrida, fumador, amante de las bebidas y de cualquier mujer que se le cruce en el camino. Es bastante sincero aunque no pierde oportunidad para desplegar su cinismo lo que muchas veces lo hace aún más seductor. También llama la atención que el nombre del protagonista coincida con el del alter ego que Bukowski utilizaba para realizar sus cuentos, Hank.

El sexo ocupa un lugar relevante en la serie y sirve como un elemento clave en los asuntos que se tratan. Casi todo resuelve o se complica en la cama. Sin saberlo, ni imaginárselo, en el primer episodio Hank lleva a la cama a una adolescente de 16 años que más tarde descubrirá que es la hijastra de su mujer. Luego en una reunión se acuesta con una ciencióloga reprimida y enojada porque su exmarido la engaño con un hombre, ambos terminan vomitando en la habitación que su ex comparte con su prometido.

Californication en problemas

Californication fue censurada en la televisión australiana porque determinados grupos de presión religiosos ejercieron presión sobre la Australia Communications and Media Authority, los encargados de regular el contenido de los medios de comunicación. Pero no fueron las escenas sexuales, los desnudos, o en lenguaje altamente obsceno lo que les molestó sino la escena inicial en la que una monja le realiza sexo oral a Hank Moody. No importó que la serie estuviera en el horario adecuado. También ha sufrido ataques en otros países, por parte de colectivos conservadores que ven en ella un mal ejemplo. Importantes anunciantes han llegado a retirar su publicidad de la franja en que se emite la serie para evitarse los ataques de un sector de la población.

La banda californiana Red Hot Chilli Peppers demandó a la cadena Showtime por "Competencia desleal y robo de identidad". Esto porque según palabras de Anthony Kiedis (el cantante de la banda) "Californication es el álbum, video y canción distintivos de la carrera de los Red Hot Chili Peppers, y no es correcto que un programa de televisión se robe nuestra identidad". La banda como es normal es estos casos pide dinero y que se le prohíba a la cadena usar el nombre en la serie.

¿Y ahora qué?

Durante la primera temporada todo giro alrededor de un desgraciado, molesto con la vida, nihilista y cínico Hank. Pero en el último capítulo su ex abandona su boda para volver a los brazos de él. Ahora habrá que ver como evoluciona este familia reencontrada. Hay que reconocer que el final sorprendió, probablemente nadie esperaba que todo se resolviera tan rápido. Ahora solo resta confiar que los guionistas sabrán mantener la línea para continuar esta excelente serie que no solo expone los bajos instintos de la actualidad, también divierte con un fino humor negro y enseña que el amor, a pesar de todo, sigue siendo una buena causa por la cual luchar.

LA ULTIMA PÁGINA DEL HORROR

Bajo el seudónimo de Gerardo Bloomerfield, se hizo conocido desde 1997 publicando sus relatos de horror en Internet. Con fieles lectores en toda Sudamérica, sobre todo en México, se convirtió en el sucesor de Horacio Quiroga.

M. A. nació en Montevideo en 1974. Comenzó a escribir a los 8 años, mientras vivía una infancia difícil. Fue influenciado por el célebre escritor de horror Robert Bloch. El autor de “Psicosis” fue una suerte de “padre” del cual tomaba consejos. Su único apoyo proveniente del mundo adulto fue su maestra de 4º año que lo incentivó a escribir. Su padre consideraba que la literatura de horror le hacía mal. A los 10 años, le regalaron su primera máquina de escribir y en forma casera publica sus primeros cuentos.

Al momento de contactar a Bloomerfield para esta entrevista, responde que ya no es él. Dice que dejó de lado el seudónimo “Gerardo Bloomerfield”  Comenta que se convirtió al unitarismo, una rama del cristianismo, y que si aún nos interesaba la entrevista, nos recibiría con gusto. Es aún más interesante saber qué ha pasado con la vida del polémico escritor de títulos tan explícitos como “Cual Retazo del Infierno” y “Vómito de Sangre”. Existía la posibilidad de que este gran cambio fuera una nueva jugada mediática del controvertido personaje; averiguarlo era el desafío.

¿Cuándo surgió el seudónimo “Gerardo Bloomerfield”?
Allá por el 97´ opté por utilizar y registrar legalmente “Gerardo Bloomerfield”, que primero fue un personaje de un cuento mío, “Sisetnis”. A la vez que asumo el seudónimo, en ese momento también adopto un personaje y un concepto.

¿Te identificaste en un principio con algún escritor nacional?
Con Quiroga, el primer escritor de horror de Sudamérica y tal vez de habla hispana. Me fastidié del panorama de la literatura uruguaya, que era monotemática, siempre politizada, izquierdista, sobre los tupamaros, la sedición y los conflictos.

¿Cuándo publicaste por primera vez?
En el año 97´ o 98´ nace mi primer libro, aunque ya había empezado a publicar en Internet. Había empezado a barajar la red como una herramienta fundamental. Me encantó desde que apareció.

¿Aunque Internet no era lo que es actualmente?
Pero me di cuenta enseguida de las posibilidades y que la magia del autor no iba a depender más de un editor para llegar al lector. En ese momento no existía el PDF. Recién se estaba hablando de cuales podrían ser los formatos probables para los libros electrónicos.

¿Puede vivir un escritor de lo que publica en Internet?
Cuando una editorial te publica bajo un contrato, vos te responsabilizas de los gastos de impresión y le tenés que dar a ellos casi un 80% del precio de venta al público. En Uruguay, un bestseller son 5000 ejemplares y venderlos es un milagro. Con ese dinero no te “parás” en el mundo. Prefiero no ganar nada y en cambio tener libertad en mi obra.


En 1998, Bloomerfield fue invitado a Debate Abierto, un programa de Canal 10 conducido por Gerardo Sotelo. Convocado para hablar sobre la violencia, arrancó una hoja de una Biblia y se sonó la nariz con ella. Esa fugaz performance fue una efectiva presentación en sociedad. Al poco tiempo visitó Miami, invitado a «El Show de Cristina», «Ver para Creer», «Aquí y ahora» y «Primer Impacto», donde se comió un hámster vivo de la boca de un lagarto. En sus apariciones apagaba cigarrillos encendidos sobre su piel y en una oportunidad se cortó un pedazo de carne que luego comió. De esas apariciones conserva aún varias cicatrices en su brazo izquierdo.

¿Cómo concebiste esa imagen pública?
Creo que a nivel de escritores uruguayos contemporáneos y vivos, tal vez fui el más mediático, en el sentido que aparecí en medios de muy amplia difusión con millones de espectadores en programas que se repiten hasta hoy.

¿Qué tanto había de real en la vida que contaba Bloomerfield?
Hice muchas cosas que incurrían en lo que se puede definir como parafilias a nivel público. Son las cosas de las que me arrepiento porque implicaron lastimar mi cuerpo, herirlo o marcarlo, solamente para expresar un choque cultural. Se me fue de control el personaje y entré en la psicosis de no separarlo de la vida real.

UNA AMISTAD MUY PARTICULAR

En 1999, Bloomerfield se presentó en Cárcel Central con el propósito de entrevistarse con Pablo Gonçalvez. Al no conocerlo y sospechando la aparición de un oportunista más, el recluso se rehusó a recibirlo. Luego de leer un par de libros dejados por el misterioso visitante, Gonçalvez le dio una oportunidad al escritor y ese fue el inicio de una curiosa amistad.

¿Cuál es tu relación actual con Goncálvez?
Estoy distanciado. Lamentablemente en un momento nos dejamos de hablar, de escribir y no nos hemos vuelto a visitar. Se enfrió la relación a raíz de una serie de malentendidos, cosas que a veces pasan entre amigos. Es una persona que a nivel espiritual me gustaría volver a contactar. Yo no lo juzgué y él no me juzgó. A pesar de eso es un tipo creyente y siempre me predicó. Hoy me gustaría tener una charla con Pablo, poder hablarle de mi experiencia. Sé que se alegraría.

Bloomerfield le pidió a Pablo que escribiera el prólogo de su libro “Vómito de Sangre”. Las siguientes líneas pertenecen a esa instroducción:

“La vida es un manto de sorpresas, ¡cuánto podría hablar yo de terribles sorpresas! Pero nunca pensé, hasta hace un mes, que me vería escribiendo el prólogo de un libro que yo no hubiera escrito, enmarcado en el género del «horror» y del cual no conozco ni una letra de su contenido. (...) No puedo explicarles lo perturbado que me sentí al ver las tapas de los libros; pero más aún cuando abrí el segundo libro y encontré esa tan significativa dedicatoria. (...) Desde ese día comienza una amistad, donde entre otras cosas, Gerardo comienza a instruirme en este género literario (...) Creo entonces que aunque no estemos de acuerdo con sus ideas religiosas o filosóficas, pienso que todos debemos ser tolerantes y brindarle nuestro apoyo para que pueda seguir escribiendo: así, quizás con libros que sean reconocidos mundialmente, llenar ese gran hueco en nuestra literatura contemporánea. Es por esto que los invito a ingresar al mundo de Gerardo Bloomerfield.”

Pablo Goncalvez, Cárcel Central

En la web decís cosas muy fuertes, inclusive referentes a un suceso incestuoso ¿Eso es cierto también?
Sí, casi todo lo que yo decía públicamente había pasado. Incurrí en todo tipo de parafilias y si tuviera que volver atrás con el conocimiento que tengo, ahora no las haría. Nunca practiqué cosas que lastimaran a terceros. No era un tipo agresivo en general.

¿Sentías que tu público te ponía en un pedestal muy alto?
Sentía que me tomaban como referencia y me asustaba. Veía tipos de 15 años que se cortaban un brazo con una navaja y me lo mandaban por mail diciendo: “Gerardo, esto lo hice para vos”. Llegué a recibir mails de gente que decía que había matado a alguien. Enviaban fotos o grabaciones diciendo que lo habían hecho por mí. Luego viene el ego, cuando empezás a ser reconocido por la calle y las minitas que tienen todos tus libros se cortan en homenaje a vos. Comenzás un proceso de decadencia donde vos ya sos esclavo de ese personaje que formaste y tenés que actuar como ese personaje, porque sino te caes del pedestal.

A fines del 2001 decide irse del país, necesitaba un cambio de aire. Así llega a México, el primer país donde publicó sus cuentos. Tenía muchos contactos y era el país donde era más conocido como escritor. Acá solo era un personaje. Tenía una excelente amistad con Lourdes Urrea, una de las escritoras de horror más importante de México. Entre 2003 y 2004, durante su estadía en México comenzó a sentir una insatisfacción que lo llevó a experimentar un cambio espiritual inesperado; comenzaron las interrogantes sobre el sentido de su vida.

"Estuve mucho más libre, me sentía sin presiones y no tenía que fingir porque estaba solo. Mi literatura se vuelve cada vez más trascendentalista, más mística. Ya los últimos cuentos empiezan a ser planteos de corte filosófico, dentro de la veta del humor negro pero plantean las contradicciones del mundo y de la existencia. Me seguía vistiendo de negro pero no demasiado estrafalario. La cosa ya no pasaba por ser un payaso mediático"

EL UNITARISMO CRISTIANO
Es una corriente de pensamiento teológico de origen cristiano que afirma la unidad de Dios. Se suele identificar de forma genérica con diversas corrientes antitrinitarias que comparten el rechazo al dogma de la Trinidad, como el adopcionismo, el arrianismo, el servetismo o el socinianismo. A lo largo de los tres primeros siglos del Cristianismo aparecen diversos autores que afirman la naturaleza “más que humana” de Cristo. Es en el Concilio de Nicea, en 325 DC, que se aprueba oficialmente el dogma de la Trinidad.
En 1993 se divulgó en Estados Unidos un documento llamado Manifiesto Humanista, suscrito por un amplio colectivo de científicos e intelectuales que significó el inicio de una nueva manera de entender la religión de tipo naturalista, en que conceptos como Dios o la vida después de la muerte biológica dejaban de considerarse centrales. Desde mediados del siglo XX, se convirtió en una iglesia liberal sin credo y multiconfesional, que desde 1961 se denomina Unitarismo Universalista.
En 1995 se constituyó el Consejo Internacional de Unitarios Universalistas (ICUU) para coordinar las diversas Iglesia y asociaciones Unitarias y Universalistas del mundo. Actualmente se calcula que hay unos 800.000 unitarios en unos 25 países del mundo, principalmente en Estados Unidos, Rumanía, Hungría, Canadá y Gran Bretaña.

¿Pensaste en suicidarte alguna vez?
Sí, lo intenté varias veces a lo largo de mi vida. Me até una máscara de respirar oxígeno pero conectada a una garrafa, me dormí y estuve toda la noche respirando gas. Hasta el día de hoy no me explico cómo sobreviví.

En su último viaje a México comienza a leer una Biblia que le dio su madre, a la vez estudia y busca explicaciones. Gracias a Internet descubre el unitarismo.
"Busqué lo que dicen realmente las escrituras más allá de los credos. Entonces me di cuenta que hay un montón de personas en el mundo que se definen como cristianos independientes y que abren la Biblia para leerla sin ningún preconcepto. Estas personas son conocidas por su posición teológica, por las iglesias cristianas tradicionales como unitarios".

¿Cómo reaccionó tu familia frente a tu transformación?
Yo vivía con una chica que comenzó a oponerse a los cambios. Le propuse casarnos, hacía dos años que estábamos juntos y tengo una hija con ella. No solo no aceptó casarse conmigo sino que pidió que me fuera.

¿Cómo hiciste para poner a Bloomerfield “en el cajón”?
Un día tomé la decisión. Es un seudónimo con el cual escribí una serie de libros. No sé si volveré a escribir algo como Bloomerfield pero el personaje murió.

¿Cómo manejaste el hecho de que cierta gente te siga reclamando a Bloomerfield?
La mayoría de la gente pensó que yo estaba simulando una conversión. Les expliqué muchas veces que si quisiera hacer una jugada mediática me voy a la iglesia evangélica más grande y ahí logro toda la prensa. Mantuve mi e-mail abierto para que la gente se comunique conmigo. En cuanto a “bloomerfield.com”, la estoy rediseñando para plantear mi historia y mi mensaje. Quiero mostrar el cristianismo como es, como algo racional.


¿Harías algo autobiográfico?
Sería muy difícil, pero escribir algo autobiográfico está en mis planes. Con 33 años, si escribiera toda mi vida sería más increíble que cualquiera de mis cuentos. Pasé cosas, hice cosas que desde niño hasta adulto es raro que una persona lo viva. Estamos en un mundo que está defectuoso, mal gobernado, está contaminado, mal administrado y ese no era el plan de Dios.

HOY CRISTIANO, AYER DEMONIO

Bloomerfield.com ya está online. Lejos del horror, en sus nuevos textos M. A. difunde la palabra de Dios. También argumenta en contra del evolucionismo y de las religiones tradicionales. En su opinión, alejan al hombre de su dios sumiéndolo en la ignorancia y la infelicidad: “...Así son las religiones. Siempre te hacen perder de algo. Las que se hacen llamar “cristianas” y las que se hacen llamar “satánicas”. Religiones todas. No hay diferencia. La idea es alejar a la gente de su propia libertad, libertad que solo el conocimiento te puede dar, seguido de practicar ese conocimiento....”.

¿Tenés planes de escribir a corto plazo algún libro?
Sí, de hecho estoy escribiendo bastantes artículos. Escribí sobre temas muy diversos que me gustan, que pueden ser vinculados a mi fe, temas de ciencia, creacionismo y también de actualidad, la política internacional es un tema que siempre me ha apasionado, el desarrollo de conflictos bélicos.

¿Con el mismo seudónimo?
No lo he manejado. Solo te puedo decir que mi dios no es un dios castrante que me diga “Escribí solo sobre mí”. Obviamente voy a escribir cosas que intenten dejar algo positivo en quien las lea. Va a ser algo mejor porque voy a estar más libre, no me veo obligado a escribir sobre nada en específico. Muchas veces empecé cuentos que son brillantes, incluso historias de amor, pero en algún momento tenía que meter un decapitado porque sino no era un cuento de Bloomerfield.

Damián Genes

Luis de Avila

CRECEN LAS BRIGADAS METÁLICAS

Ser músico en Uruguay, salvo contadas excepciones, es una profesión que se ejerce “ad honorem”. El metal nunca fue ajeno a esa premisa. Sin embargo, comienzan a percibirse algunas tímidas señales de cambio en el panorama de la música pesada uruguaya.

Con la lenta agonía de la dictadura militar no solo resurgió el rock uruguayo, también apareció el heavy metal. El consenso general dice que la primera banda uruguaya de metal fue Ácido, luego llegarían Cross, Alvacast, Angkor Vat, Shock, Sádica y otras.

Eran tiempos difíciles, los locales para tocar en vivo como “El Templo del Gato” eran escasos. No existía Internet para enterarse de los toques, conseguir información o descargar discos. El renombrado Alfonso Carbone grababa a los Estómagos pero ponía a Cross en el freezer. "Somos de la época en que los grupos no eran amigos de los sellos (...) los que pintaban ‘Carbone puto’ frente al Palacio de la Música" aclara Rodrigo Costas, vocalista de Radical.

Los toques eran caóticos e imprevisibles, la violencia estaba a la orden. El tema de Chopper “La bronca de una noche”, basado en hechos reales, ilustra fielmente la atmósfera que se vivía. “Mi madre me vio por primera vez en la tapa de un diario pero pegándole a un bajista (...) los punks destruyeron el local. Marcelo Cross había puesto las luces robóticas, las destrozaron" señala su ex cantante Fabián Furtado.

Chopper reinó en los 90 y se hizo fuerte en La Factoría, el popular boliche que funcionaba en la calle Agraciada, detrás de la sede de Wanderers. Siempre a lleno total, compartieron escenario con La Trampa, A.N.I.M.A.L., Glenn Hughes o Barón Rojo, entre otros.

Su segundo disco “Sangrando”, ya con la presencia de Gabriel Brikman como guitarrista y nuevo manager, es el álbum más notable de este período y un mojón en la historia del metal local. Casi un cuarto de siglo después del nacimiento del metal en Uruguay, los desafíos siguen siendo los mismos, generar una escena digna y profesional para las bandas, y que estas tengan propuestas artísticas de nivel internacional.

¿EL AÑO DEL METAL?

2007 será recordado en Uruguay como uno de los mejores años del metal local. Shows de bandas reconocidas mundialmente, festivales internacionales, giras por el interior, crecimiento de bandas locales, nuevos discos editados, público que se acrecienta y la aparición de medios especializados han hecho de este año uno de los más prolíferos para el género.

Uruguay siempre estuvo fuera de los tours sudamericanos de las grandes bandas del norte. Excepcionalmente llegaba alguna gracias a extrañas conjunciones astrales y a algún temerario productor. La memoria se remonta a la primera mitad de los ‘80 con Van Halen y Barón Rojo (los españoles volverían en 2000), Iron Maiden en 1992, los suecos de Hammerfall en 2001 y Deep Purple en 2006. Todos fueron shows exitosos y demostraron que en este alejado paraje existe un público ávido de metal y buena música. El año pasado finaliza lo confirmaría y doblaría la apuesta.

El 21 de abril en el Montevideo Metal Fest II, que se llevó a cabo en el Velódromo, Sepultura llegaba por primera vez a Uruguay luego de más de dos décadas de carrera. Compartieron la grilla junto a los argentinos Rata Blanca y los locales Reytoro, Radical y Narval. A principios de los 90, esta banda brasileña logró llevar el thrash sudamericano a las grandes ligas del metal internacional compitiendo de igual a igual con artistas de primer nivel. Siete mil personas desafiaron la incesante lluvia para vivir una emotiva fiesta difícil de olvidar.

Epica llegó a Uruguay tan solo ocho días después de Sepultura. La empresa belga Katoen Natie, en el marco de los festejos por la ampliación del muelle del puerto de Montevideo, organizó un evento gratuito con la participación de la ascendente banda holandesa de gothic metal. Según la organización, veinte mil personas se dieron cita frente al enorme escenario instalado frente a la escollera Sarandí.

El 23 de agosto, Living Colour brindó un memorable show en el Teatro Plaza. Si bien no es una banda estrictamente de metal, en 1993 con el disco “Stain” llamó la atención del género influenciando a muchas bandas.

El 4 de noviembre, la banda estadounidense Exodus realizó el mejor show de metal del año. El festival, que tuvo lugar en el Teatro de Verano, contó también con la presencia del argentino Oconnor y las bandas nacionales Crepar y Reytoro. Los norteamericanos son pioneros del thrash de la fermental Bay Area de San Francisco en los ‘80. En Montevideo tuvieron el mayor público de toda su gira sudamericana.

Las visitas de bandas argentinas son una constante, pero en 2007 batieron récords. Podemos enumerar, además de los ya mencionados, las visitas de Tren Loco, Horcas, Logos, Lorihen, Mastifal y Serpentor.

El 2008 dirá si se mantiene el nivel alcanzado o si solo ha sido un espejismo en el eterno desierto. De todos modos, podemos confiar en que el metal en Uruguay no morirá gracias al compromiso que todo buen fan mantiene con una cultura que va más allá de lo musical y a un orgullo que ni modas ni festivales masivos harán cambiar.

Luis de Avila

LA MUSICA Y EL CINE, UN ROMANCE LEGENDARIO

La música en el cine nos transporta, es capaz de elevar una olvidable escena a la categoría de clásico y provoca que sea citada a lo largo del mundo en cualquier charla de cinéfilos, cerveza o café mediante, como un momento clave en la íntima relación que como espectadores tenemos con el séptimo arte.

Grandes Bandas Sonoras

En 1991, Alan Parker nos regaló una de sus cinco películas musicales, tal vez no sea la más espectacular, ni superproducida, pero buena música es lo que le sobra.

The Commitments es la emocionante y vívida historia de los avatares por los que atraviesa un grupo de rock en su búsqueda del éxito. The Commitments es una banda que hace covers de soul, esa es la excusa para que desfilen algunas de las joyas más cotizadas del estilo.

Para Jimmy Rabbitte (Robert Arkins), el soul es música de los obreros y su ritmo lleva un mensaje de reivindicación a las clases más bajas. Jimmy es un jóven irlandés que pretende ser el manager de este grupo de soul proveniente de un barrio pobre de Dublín.

La historia y el conflicto son simples y Parker la filmó de manera muy sobria aunque el valor de la película reside en costado musical. El director eligió un elenco de músicos para darle autenticidad a la película. Los actores tocan los instrumentos y la mayoría de las canciones se grabaron en la filmación.

El soundtrack de la película incluye joyas del soul muy aggiornadas a lo que sería una joven banda irlandesa. Los temas: “Bring it on home” de Sam Cooke, “In the Midnight Tour” de Wilson Ticket, “Mr. Pityful” y “Fa-Fa-Fa-Fa (Sad Song)” de Ottis Reding.

En el año 2000, el excelente director Stephen Frears llevó al cine la novela “Alta Fidelidad” del inglés Nick Hornby. Rob Fleming es el personaje principal, interpretado por John Cusack, dueño de una pequeña disquería que solo vende discos de su agrado.

Él y sus empleados Dick y Barry son obsesivos musicales y suelen competir para demostrar quien ostenta mayor conocimiento sobre la materia, planifican recopilaciones para momentos especiales, como un funeral y definen los “top five” de todo lo que aman y odian. La más divertida es la de “los cinco trabajos de mis sueños” a saber: “1- Periodista del New Musical Express entre 1976, 2- Productor de Atlantic Records entre 1964 y 1971, 3- Músico de cualquier clase (excepto música clásica o rap), 4- Director de cine, preferentemente ni alemán ni de cine mudo, 5- Arquitecto.”

Los temas: “Walking On Sunshine” de Katrina And The Waves, "Baby, I Love Your Way" de Peter Frampton, "I'm Gonna Love You Just A Little More Baby" de Barry White, “Who Loves The Sun" de The Velvet Underground, "The River" de Bruce Springsteen,

Con “Los Infiltrados”, la Academia enmendó el error de no haber entregado jamás el Oscar a Martín Scorcese. Evidentemente no es la mejor película del neoyorquino, pero mejor tarde que nunca parecen haber razonado en Hollywood y lo premiaron en 2006.

El guión es una adaptación de “Internal affaire” (2002), un thriller hecho en Hong Kong y cuenta con los protagónicos de Leonardo DiCaprio, Jack Nicholson y Matt Damon, Un infiltrado policial en la mafia irlandesa (DiCaprio) y uno de la mafia en la fuerza de Investigación Especial (Damon), luchan para delatar al otro y así salvarse a ellos mismos mientras llevan una doble vida que los consume interiormente.

Los temas: “Gimme Shelter” de Rolling Stones, “I'm Shipping Up To Boston” de Dropkick Murphys, “One Way Out” de The Allman Brothers Band, “Sail On, Sailor” de Beach Boys, “Comfortably Numb” de Pink Floyd pero en versión de Roger Waters y Van Morrison

“Cuenta Conmigo” es la adaptación cinematográfica que hizo Rob Reiner en 1986 de la novela “El Cuerpo” de Stephen King. El filme está ambientado en 1959, donde cuatro chicos de doce años se embarcan en una aventura para ver el cuerpo de un jóven que falleció en la espesura del bosque. Estos personajes son interpretados por actores que posteriormente obtendrían mediano éxito: Will Wheaton, Jerry O'Connell, River Phoenix y Corey Feldman.

Los temas: “Stand By Me” de Ben E. King, “Great Balls of Fire” de Jerry Lee Lewis, “Let the Good Times Roll” de Shirley and Lee, “Lollipop” de The Chordettes, “Everyday” de Buddy Holly.

“John y June, Locura y Pasión” es el film biográfico del astro del country Johnny Cash y su historia de amor con June Carter. Papel por el que Reese Witherspoong ganó el Oscar a mejor actriz. La película, basada en la biografía de Cash, muestra su niñez como hijo de un recolector de algodón de Arkansas, la muerte de su hermano, su famoso concierto en la prisión de Folsom, su adicción a las drogas y como es rescatado de ellas por June Carter.

Un momento clave de la película es cuando Cash sale de gira con los monstruos de Sun Records, y pioneros del rock n’roll: Elvis Presley, Carl Perkins, Roy Orbison, Jerry Lee Lewis y Waylon Jennings.

Un dato no despreciable es que Joaquin Phoenix interpreta todas las canciones de Johnny Cash que suenan en el film. También lo hace Reese Witherspoon, cuya voz hasta suena más agradable que la de June Carter. Los actores Tyler Hilton (Elvis Presley), Waylon Malloy Payne (Jerry Lee Lewis), Jonathan Rice (Roy Orbison) y Shooter Jennings (Waylon Jennings) también cantan sus propias canciones.

Los temas: De Johnny Cash: “Get Rhythm”, “I Walk the Line”, “Folsom Prison Blues”, “Home of the Blues”, “Cocaine Blues”, “Jackson”, “Ring of Fire” de June Carter y Cash. Y otras como “Lewis Boogie” de Jerry Lee Lewis y “Highway '61 Revisited” de Bob Dylan

Compositores de la gran pantalla

Ennio Morricone, poseedor de cinco premios Oscar, es uno de los más prolíficos compositores en el mundo del cine. El patrimonio del italiano alcanza las 500 partituras. Gran parte de su fama se debe a su trabajo en los “Spaghetti Western”. Entre estos encontramos las películas de Sergio Leone “Por un puñado de dólares” (1964) y “El bueno, el feo y el malo” (1966). Morricone utilizaba diferentes instrumentos y sonidos en sus composiciones, esto incluía una original manejo de la voz humana y estilos que iban del jazz, pasando por el rock y llegaban a la electrónica.

Otro compositor fuertemente asociado al cine es el norteamericano Danny Elfman. Tal vez muchos no recuerden su nombre pero conozcan el gran papel que juega la música en las películas de su gran amigo Tim Burton. La única película de Burton que no incluye música de este compositor es “Ed Wood” y la reciente “Sweeney Todd”, cuyas partituras pertenecen a Stephen Sondheim.

La obra maestra de Elfman en este campo es la banda sonora de “El extraño mundo de Jack”, una excelente película animada con la técnica de “stop motion” y basada en dibujos y en un poema de Burton, aunque la originalidad de sus composiciones se debe a la fusión de grandes y aparatosas orquestas con voces corales. En televisión es responsable de la archifamosa canción de "Los Simpsons" y recientemente de “Amas de casa desesperadas”.

La colosal canción de “El Padrino” también fue compuesta por otro italiano. Nino Rota es famoso por numerosas bandas sonoras que comenzó a componer en 1933. Escribió la música para las dos primeras partes de "El padrino". La segunda, compuesta junto a Carmine Coppola, padre del director, fue ganadora del Oscar en 1974.

Fellini utilizó su música para las películas “La Strada” (1954), “La Doce Vita” (1959), “Fellini ocho y medio” (1963), “Amarcord” (1974). También trabajó para otros directores italianos como Vittorio de Sica y Franco Zefirelli.

Otro maestro de la música del thriller de acción es Jerry Goldsmith. Entre sus obras más importantes, encontramos la música para “El planeta de los simios”, varias partes de “Star Trek”, “Alien, el octavo pasajero”, “Poltergeist II”, “Los Niños Del Brasil”. Su único Oscar vino por la versión original de “La Profecía”

Músicos, cámara acción

Muchos actores de Hollywood se metieron a cantantes y muchos artistas de rock protagonizaron filmes con mayor o menor talento actoral. Algunos de ellos llegaron a desarrollar extensas carreras paralelas en el mundo cinematográfico.

El caso más paradigmático fue el rey del rock. Elvis también dejó su personal sello en el celuloide. Incluyendo las filmaciones de sus conciertos, participó en una treintena de películas a un promedio de tres por año. Sus referentes fueron James Dean y Marlon Brando pero Presley jamás pudo despegar sus papeles de su condición de cantante, algo que anhelaba, “la gente me preguntaba si iba a cantar en las películas, y yo les dije que no, que no tenía ningún interés en cantar en el cine” solía mencionar. Entre sus trabajos fílmicos, sobresalen “Love Me Tender” (1956); “El rock de la cárcel” (1957), “El barrio contra mí” (1958), “El trotamundos” (1964) y “Cita en Las Vegas” (1964).

Otro músico que cosechó éxitos también en el cine fue David Bowie. Su veta actoral ya podía apreciarse en su carrera musical con una condición camaleónica que le permitía cambiar de apariencia con cada nuevo disco. Bowie participó como actor en unas dieciséis películas, aunque aportó su música, su voz o producción a una centena de filmes.

Entre los últimos desempeños actorales del duque blanco, está su papel de Nikola Tesla en “The Prestige” (2006) o en “Zoolander” (2001). Aunque sus apariciones más recordadas fueron en “La última tentación de Cristo” (1988), dirigido por Martin Scorcese, y “El Ansia” (1983).

Sting, a la par de su carrera con The Police y como solista, también incursiono con relevancia en la pantalla grande. Participó, entre otras, en la opera rock de The Who, “Quadrophenia” (1979), donde encarnó al líder de una banda mod.

En 1984, tuvo un papel en el clásico de la ciencia ficción “Dune”, película de David Lynch adaptaba la obra del escritor Frank Herbert. En “La prometida” (1985) su papel fue el del célebre Dr. Frankenstein. En “Radio On” fue el empleado de una estación de servicio obsesionado con la figura del mítico Eddie Cochran. Su papel más aclamado por la critica hasta la fecha fue el de “Lunes Tormentoso” (1988) donde hizo del dueño de un club de jazz.

Como anécdota interesante, Sting actuó en “The Great Rock’n'Roll Swindle”, la película de los Sex Pistols, pero sus escenas fueron cortadas y no apareció en la versión definitiva del film.

Sus compañeros de The Police también tuvieron algunos trabajos en el cine. El guitarrista Andy Summers hizo bolos y algún capítulo televisivo, mientras Stewart Copeland tuvo una mayor relevancia detrás de cámara. El baterista fue nominado a los globos de oro por la banda sonora de “La Ley de la Calle” (1983) de Francis Ford Coppola.

Desde el siglo pasado, el séptimo arte y la música han sido las dos expresiones artísticas de mayor relevancia e incidencia cultural. Abarcar todos los capítulos de la mutua colaboración entre estas dos artes requeriría una enciclopedia de varios tomos, pero sus entretelones seguirán siendo motivo de debate y recreación en cualquier charla de cinéfilos que se precie de tal y en las cuales todos participamos con gusto.

GRANDES MOMENTOS MUSICALES DEL CINE

"Bohemian Rhapsody", Queen / Wayne's World (1992)

Wayne, Garth y tres amigos más, protagonizan la mejor escena de la película. En ella, los cinco viajan en el pequeño auto azul de Wayne y espontáneamente realizan un hilarante homenaje a la monumental Bohemian Rhapsody de Queen.

Wayne's World nació como una parodia del longevo Saturday Night Live y se convirtió rapidamente en un ícono humorístico. Estos dos jóvenes transmiten su programa musical desde el sótano de su casa y son convencidos por un productor de realizar una versión comercial del programa para ganar dinero.

"Free Bird", Lynyrd Skynyrd / The Devil's Rejects (2005)

Rob Zombie sabe de metal industrial, pero también es especialista en reconstruir los ambientes del cine de acción y horror de los setenta. En la escena final de la película, cuando Otis, Baby y Spaulding escapan en un auto, se encuentran en su camino con toda la policía estatal. La forma de resolver la escena es muy lograda, en gran parte debido al uso del tema de Lynyrd Skynyrd.

"Born to be Wild", Steppenwolf / Easy Rider (1969)

Muchos consideran a este tema de Steppenwolf como el primer tema de heavy metal de la historia. También es la canción más asociada a la cultura de los motoqueros y la causa es su inclusión en esta película de Dennis Hopper. La banda sonora incluía además temas de Byrds y Jimi Hendrix, cuyos derechos fueron cedidos por los autores para esta película que recaudó cien veces más de lo que costó su realización.

La historia se centra en el viaje de dos motociclistas que se dirigen hacia el carnaval de Nueva Orleans, estos son interpretados por Peter Fonda y Dennis Hopper.

"I Wanna Rock", Twisted Sister / Viaje Censurado (2000)

En la misma línea de Wayne's World pero con el temazo de Twisted Sister, "I Wanna Rock", este grupo de jóvenes logra contagiar el espíritu de una canción que marcó una época. El elenco incluye a Tom Green y su alucinógena actuación, no esperen encontrar un canto a la vida ni mensajes filosóficos. Cine de idiotas para gente que aprecia su lado grosero, una de las especialidades de la industria hollywoodense.

"Johnny B. Goode", Chuck Berry / Volver al Futuro (1985)

Marty McFly viaja al año 1955 y es precisamente en ese año cuando Chuck Berry compuso "Johnny B. Goode", los guionistas aprovecharon la feliz coincidencia. Así es que cuando Marty debe tocar la guitarra frente al público del baile, les ejecuta este clásico del rock n'roll y los presentes deliran con la novedad. Mientras, el guitarrista estable de la banda llama a su primo, Chuck (obviamente Berry), y le hace escuchar el nuevo sonido que él está buscando.

"London Calling", The Clash / Billy Elliot (2000)

Billy, de 11 años, vive con su padre, hermano y abuela en la Inglaterra de los '80. La crisis económica lleva a los obreros del carbón, entre ellos el padre y el hermano del niño, a una penosa huelga. "London Calling" aparece en la escena donde la policía ejerce una brutal represión contra los obreros, el hermano de Billy es perseguido en los fondos de las típicas casas obreras de los suburbios ingleses con el excelente tema de los Clash como cortina.

"More Than This" Bryan Ferry / Perdidos en Tokyo (2003)

Además de estupenda película con excelentes actuaciones, tiene una banda sonora de excepción. Bob Harris (Bill Murray) es un actor veterano, con un trabajo publicitario en la capital japonesa y Charlotte (Scarlett Johansson) es una joven cuyo marido se encuentra trabajando en Tokyo y no le presta atención. En una divertida salida, Bill Murray toma el mando del karaoke y nos regala su personal versión de "More than this", una interpretación tan triste y patética como divertida.

Luis de Avila